Русское искусство

О творческом методе Валерия Александровича Волкова

Преподавание художника в Академии изящных искусств

  Перестроечный период начала 1990-х годов дал возможность активизироваться живым и позитивным силам общества, в том числе в области культуры и искусства. В октябре 1993 года начала свою деятельность Академия изящных искусств (АИИ), где вместе обучались музыканты, художники, искусствоведы и тележурналисты. Особенностью Академии было то, что программа обучения, кроме традиционных для художественных вузов предметов, включала такие дисциплины, как «История русской и зарубежной литературы», «История религий», «Музыкальная литература», «История оперного искусства», которые были обязательными для всех факультетов. Позже Академию переименовали в Институт художественного творчества (ИХТ). Её основателем и вдохновителем стал заслуженный артист России, художник и пианист М.В. Кончаловский, который пригласил в ней преподавать своих друзей и коллег. Факультет изобразительного искусства Академии возглавили братья Волковы, сыновья выдающегося мастера живописи XX века Александра Николаевича Волкова (1886–1957), автора знаменитой «Гранатовой чайханы», хранящейся ныне в Государственной Третьяковской галерее. Организатором процесса обучения и деканом художественного факультета стал живописец и скульптор Александр Александрович Волков, на роль художественного руководителя он пригласил своего старшего брата и наставника, искусствоведа и живописца Валерия Александровича. Таким образом, на факультете образовалось две группы: одной руководил Валерий Волков (ассистент – Наталья Алексеева-Штольдер), другой – Александр Волков (ассистент – его сын Андрей, оба – выпускники Строгановского училища). Через год к нам присоединились художники-монументалисты Анатолий Воробьёв и Валентина Щербина, которые возглавили свою живописную мастерскую...
  Валерий Александрович пригласил меня преподавать в свою мастерскую, чему я несказанно обрадовалась. Первую группу мы выпустили через пять лет (1998). Это был выпуск талантливых и многообещающих художников. Вторую группу я выпускала уже сама, так как Валерий Александрович покинул Академию в знак солидарности с А.А. Волковым. А в 2007 году Институт и вовсе прекратил свою работу. Причины были разными, но главная – усталость от борьбы с указами Министерства образования, в стандарты которого не вписывалась камерность нашего учебного заведения.
  В данной статье мне хотелось бы рассказать о Валерии Александровиче Волкове как руководителе факультета живописи Академии в пору её расцвета и о его творческом методе.
  Время обучения нашей первой группы было самым счастливым: учиться пришли молодые люди, восприимчивые, мыслящие и готовые преодолевать трудности познания. Валерий Александрович не стремился набрать как можно больше студентов, считая, что главное не количество, а качество. Он создал атмосферу доверия и открытости, относясь к студентам как к творческим личностям. Воспитание индивидуальности стало основной нашей задачей.
  Процесс обучения в Академии был насыщенным и увлекательным, нередко носил импровизационный характер. Помимо работы в аудитории, мы вместе ходили на выставки и в музеи, а потом обсуждали увиденное. Регулярно организовывали показы творческих работ студентов. С третьего курса Валерий Александрович сделал обязательным для студентов участие в теоретических семинарах, на которых обсуждались вопросы искусства. Такой подход к преподаванию дал удивительные результаты: наши выпускники убедительно и ярко выступили на защите дипломов; серии представленных живописных работ каждого отличались своеобразием и широким кругозором в области изобразительного искусства.
  Наш первый выпуск окрестили «великолепной семёркой». Алёша Бачурин, Сергей Гребенюк, Тамара Григорьева, Светлана Линина (Богданова), Люба Пшеничная, Оля Салова и Женя Счётов – начали заниматься практически с «нуля» и каждый из них нашёл свой путь в живописи и жизни.
  В мастерской Валерия Александровича студенты обучались два дня в неделю: два часа отводилось композиции, четыре часа – рисунку и шесть часов – живописи. Самостоятельная работа студентов была важным фактором их развития. Для меня как педагога преподавание в мастерской стало бесценным опытом, Валерий Александрович назвал это время моей аспирантурой.
  Считаю важным привести здесь полностью программу, подготовленную Валерием Александровичем осенью 1993 года, где декларировались цели и принципы факультета изобразительного искусства и были обозначены фундаментальные положения, которые помогут будущим художникам и сегодня.

  Школа Волкова
  Программа и примерный план факультета изобразительных искусств
  Основополагающим предметом художественного воспитания на факультете изобразительного искусства является живопись.
  Живопись как мировоззрение, основа пластического видения мира, путь к мышлению художественными образами.
  Единство живописи, рисунка, композиции как образа мира.
  Педагогический принцип – сочетание непосредственного, индивидуального восприятия и овладение художественным мастерством.
  Задача – выявление и сохранение творческой индивидуальности, личности в сочетании с постепенным освоением художественной культуры мира на практике.
  Постепенное усложнение творческих задач, развитие умения ставить и решать индивидуальные и общие художественные проблемы самими учащимися.
  Неразрывность учебного и творческого процесса.
  Путь к творческой самостоятельности.
  Дипломная работа как итог обучения и начало самостоятельного художественного творчества.
  К этому «манифесту» мною был составлен сохранившийся в рукописи примерный учебный план, рассчитанный на пять лет, на полях которого Валерий Александрович оставил свои комментарии и поправки. В частности, он призывал освободиться от стереотипов в характеристике задач по рисунку: вместо терминов «тональный», «тематический» ввести понятие «образный». В работе над натюрмортами он предлагал акцентировать внимание на постановках, ритмических задачах, возможностях линии. Он подчёркивал значение для каждого усвоить опыт перехода от непосредственного визуального восприятия к абстрактному художественному мышлению, таким образом, студенты имели возможность выбора между реальным и абстрактным решениями, или сочетанием того и другого. В заданиях по живописи выражение «тонально-цветовое решение» Валерий Александрович рекомендовал заменить на «понятие тона как светосилы цвета или разницы светоизлучения», а также ввести понятие живописного пятна как концентрации образной силы цвета. Он подчёркивал важность понятия среды, передачи атмосферы, состояния, пространственного восприятия окружающих объектов. Призывал видеть живопись как среду обитания модели, нередко вспоминая философа Николая Лосского и его постулат «всё имманентно всему».
  Как видно из программы, основным предметом художественного образования была живопись. Первоначально студенты осваивали акварель и гуашь, а с третьего курса полностью переходили к масляной технике. В аудитории студенты выполняли постановки с конкретными колористическими задачами, которые усложнялись от курса к курсу. Сначала писали натюрморты, потом живую модель (голова, фигура, обнажённая модель). Отмечу, что работа над каждой постановкой всегда начиналась с обдумывания композиции, выполнения набросков и этюдов, что с первого курса приучало студентов к композиционному мышлению. Непосредственные личные наблюдения, пластические идеи, выраженные в композиционных опытах, иногда слишком иллюстративных, запутанных, не очень умелых, Валерий Александрович всегда внимательно рассматривал и советовал, как решить ту или иную задачу, учитывая индивидуальные особенности каждого.
  Например, ещё на первом курсе Валерий Александрович предложил студентам написать автопортрет. Многие с энтузиазмом взялись за эту тему: Тамара изобразила себя в павловопосадском платке, Сергей – в скоморошьем наряде. Всем запомнился мягкий загадочный образ Любы. Это задание позволило студентам лучше понять самих себя.
  В процессе обучения было важным всё до мелочей. Маэстро внимательно относился к технической стороне живописи: давал важные рекомендации по материалам, разбавителям, употребляемым смесям; призывал изучать краску и её возможности, нередко повторяя слова Марка Шагала о том, что живопись – это химия.
  Несомненно, одними из самых важных были вопросы цвета и света. Студентов учили работать в ограниченной палитре (так называемые Шемякинские уроки), применять закон дополнительных цветов, технику многослойной живописи и многому другому. Важным уроком был совет Валерия Александровича «вести» одновременно два-три холста, чтобы иметь возможность сравнения. (Он считал, что в живописи есть два начала: лавинообразное – Тёрнер, его отец; и кристаллообразное – Врубель.) На четвёртом курсе, когда студенты работали над обнажённой моделью, Валерий Александрович устроил нам мастер-класс, темпераментно работая на довольно большом холсте параллельно со студентами.
  Из дневника художника: «Я вспомнил свои первые профессиональные опыты, когда мой отец привёл меня в студию повышения квалификации при Союзе художников Узбекистана, которую вёл профессор Московского художественного института Михаил Фёдорович Шемякин (1875–1944). Ученик Репина и Серова, которого война забросила в Ташкент, уже был в нашем доме и познакомился с акварелями и темперами А. Волкова, которые сейчас хранятся в Третьяковской галерее и Русском музее в Петербурге, а тогда он их, как детей, носил на руках и не скрывал своего восторга.
  Казалось бы, очень разные художники, но искренность чувств, глубокая культурная традиция и взаимное уважение были сильнее всего. Мне тогда было лет пятнадцать, но я до сих пор помню слова моего отца: “Вот, Михаил Фёдорович, мой сын – учите его”. Всё это я помню очень ярко. С этого момента у нас в группе начался этап, который я называю “Шемякинские уроки”. Я старался передать им [ученикам] всё, чему я действительно научился у М.Ф. Шемякина, и сохранил это на всю жизнь.
  Вот, скажем, отношение к палитре: справа белила, которым Шемякин придавал исключительно важную роль, далее веером – охры, сиены, умбры, кончая чёрной краской.
  Со временем я понял, почему из дома, насыщенного огненными красками, отец привёл меня учиться к Шемякину – он хотел расширить мой диапазон восприятия реальности. Я с увлечением бросился писать натуру, но как, владея такой скромной палитрой, передать тончайшие оттенки колорита?
  На моей же палитре Михаил Фёдорович показывает – вот охра красная, с белилами, хорошо смешанная, даёт тёплый цвет. А вот – берёт чистую кисть, чуть задевает охру красную, цепляет белила и, не смешивая, кладёт мазок – цвет холодный. Много позже, изучая технику старых мастеров, я узнал, что такое диффузия света и ещё много других тайн – например то, что лунный свет можно написать коричневыми красками...
  Однажды рядом с моделью упал лучик света. “Смотрите, смотрите, – вскричал Шемякин, – зайчик!” Оглянулся по сторонам и, подбежав к моему этюду, ударил кисточкой чистыми белилами, потом, подхватив охру светлую, легонько коснулся белого мазка: “Зайчик!”. И показываю моим ученикам – вот он, зайчик, сохранился вместе с моим этюдом, которому пятьдесят лет! О М.Ф. Шемякине забыли...»...


Наталья Алексеева-Штольдер
художник, искусствовед

Полностью статью можно прочитать в журнале «Золотая палитра» №1(16) 2017